“亲爱的，人生最重要的是活得精彩。只要活得精彩，我不在乎活多久。”——弗雷迪·墨丘利 （皇后乐队主唱）
1985年，Live Aid大型演唱会在伦敦和费城同时举行，这场演唱会启发于为埃塞俄比亚饥荒筹集善款。
演出持续超过16个小时，现场观众超过15万人，全球150多个国家的观众通过电视观看，13个卫星用来直播，彼时的奥运会也只使用了三个。
Elton John，David Bowie，U2，The Who，Paul McCartney，Led Zeppelin，Mick Jagger，REO Speedwagon，Bob Dylan等等，当然还有Queen，皇后乐队。
这份名单不仅豪华，而且他们大多正处于自己的黄金时代。
2018年的电影《Bohemian Rhapsody（波西米亚狂想曲）》在影片最后十五分钟里几乎完整的上演了皇后乐队在Live Aid演唱会上的表演。
一场演出，完全无需修饰，只需要把真实的演唱会现场的每一个细节还原，乐队的每一个动作，演唱的每一个音符，现场的每一个环节，就可以成为一部艺术影片的更 *** ，还能让影片以及主演成为奥斯卡竞争的大热门，真正伟大的摇滚乐就是这样精彩。
那时的Freddie Mercury签署了个人唱片合约，与乐队分道扬镳，然而自己的状态却每况愈下，终于他发现自己身患艾滋病。
因为Live Aid演唱会的出现，也成为了乐队重组的契机，时隔许久，乐队再次以完整的状态登上舞台。
但此时39岁的Freddie身体已经开始受到病魔摧残，嗓音也不再完美，但在这场演唱会上，Freddie奉献了一场载入史册的伟大表演。
随着电影的情节一路走来，最终来到这场演唱会上，了解了背后的更多的故事，作为观众会更加感叹这场演出的伟大，肯定还忍不住要翻出当年这场演唱会的原版视频。
此时你就更可以感受到影片的良心，完美重现当年的场景，并且有着更加舒服的电影视角，连Freddie即兴与观众互动的“hey oh”，也会成为你翻看无数遍的令人热血沸腾的经典。
Live Aid演唱会最终创下了10亿5000万，筹集8000万美元善款，主办人Bob Geldolf获得了1986年诺贝尔和平奖提名，这场演唱会，与参与其中的人们真正做到了让音乐改变世界。
Live Aid 的发生时间，电影里有交代，是在1985年。
那演唱会结束没多久，演唱会的音像制品就上市了，那时候没有DVD，只有录像带。
这盘录像带在1985年底，传入中国。
那时候，我们这边英语的平均水平远不如现在，所以当时的人们没有人管 Live Aid 直呼 Live Aid，而是将其唤作“援非义演”。
坏蛋调频曾经有过一档栏目，名叫《摇滚老炮儿》，专门采访那些曾为中国乐队音乐开疆拓土的那些人，比如郑钧，比如崔健，比如汪峰。
其中有一个问题是固定，就是小时候之一次听到西方的音乐是在何时？
大多数人的回答，都离不开“援非义演”。
皇后乐队影响了二十世纪后期几乎所有的重金属乐队，这个四人乐队致力于发掘华丽和夸张的艺术风格，创造出的这种带有浓厚歌剧色彩的音乐形式，为后来的前卫金属音乐指引了方向。
这其中最著名的就是《波西米亚狂想曲》皇后乐队把华丽摇滚、前卫摇滚、古典音乐及重金属音乐完美地熔为一炉。
加上主唱弗雷迪性感而清纯高亢的魔性嗓音，层层铺垫的键盘前奏和绚烂花哨的吉他solo，让乐队的音乐风格既多变又雄壮还带有一丝诡异，充满了摇滚特有的抒发感情的魅力。
皇后乐队的不凡荣誉与传世影响不是他已获取的荣誉等身的奖项所能承载与描述，他在世界乐坛的地位就如同英国超长待机的女王，尊贵而不朽。
我们是冠军（We are the champions），你可以从这首歌中听出傲慢，但在主唱弗雷迪演唱的时候，他并不会忘记遭受的每一次挫折和那些不幸的失败。
魔幻的旋律，娴熟的键盘，流转的音符，这些都变成一种自我激励的动力。
和着整齐的掌声与口号一般的歌唱，再没有一只歌曲能如《We will rock you》这般有不可思议的魔力，震撼着所有听众的心，让他们一起激昂向上，无所不能，众志成城。
一首歌让你听得热泪盈眶绝不仅仅是因为歌曲本身，更是歌者的故事，以及带给你的力量。
而这种力量，一方面来自共情，一方面来自你自己的故事。
要说皇后乐队最耀眼的明星，那一定是弗雷迪！
皇后乐队的弗雷迪·默丘里（Freddie Mercury）作为乐队灵魂人物，他的人生经历如同皇后一般撕心裂肺...
弗雷迪来自当时还是英属印度的一个平民家庭，他是亚洲人，出生在东非的坦桑尼亚，少年时期在印度和坦桑尼亚的桑给巴尔岛度过。
1963年17岁时因为坦桑尼亚革命带来的杀戮与生活动荡他逃难来到英国，进入大学主修艺术。
毕业后为了维持生计弗雷迪卖过二手衣服，做过机场的行李搬运工。
不平凡的人在平凡时慢慢蛰伏积累等待时机，琐碎的人生在他1970年四月加入当时名字还是微笑（Smile）的乐队开始转变。
1971年，弗雷迪把乐队改名为皇后（Queen），绚丽辉煌的大幕随之慢慢展开。
弗雷迪以高亢璀璨的音色与戏剧化的表演方式著称。
他自然说话的声音是男中音，但唱歌时他的音调可以从男低音（F2）延伸到女高音（F5）；可以从一个深深的，嘶哑的咆哮摇滚变成温柔而充满活力的男高音，然后再变成完美的高音花腔。
这也是他区别于其他几乎所有摇滚歌手的独特之处。
弗雷迪赋有卓越的创作才华，许多皇后乐队的传世作品都是他创作的，包括
《Bohemian Rhapsody》、《We Are The Champions》、《Seven Seas of Rhye》、《Killer Queen》、《Somebody to Love》、《Good Old-Fashioned Lover Boy》、《Bicycle Race》、《Don't Stop Me Now》、《Crazy Little Thing Called Love》及《Play the Game》。
西方人对这些歌曲大都耳熟能详，传唱至今。
弗雷迪很擅长现场表演，在现场演唱中他能展示高度戏剧化的风格，鼓动观众的共鸣和参与感。
现场的观众评价他“是一个表演者，用挑逗，震撼并最终以他自己的各种奢侈演唱风格吸引观众”。
在所有戏剧性的摇滚表演者中，弗雷迪比其他人更进一步，他总穿着紧身衣，拿着一个破碎的的麦克风支架，把观众的现场感带到了理智的边缘，让观众群情激动，不能自己，仿佛他的表演，就是一种神圣的存在。
弗雷迪在世时皇后乐队的最后一场现场表演是1986年8月9日在英格兰的Knebworth公园举行的，参加人数高达160,000人。
在这场演出的结尾，随着英国国歌“上帝拯救女王”在演唱会结束时的播放，弗雷迪留下了他在舞台上的最后一幕：穿着长袍披着金色的王冠，挥手告别人群。
弗雷迪逝世前定居在瑞士的蒙特勒（Montreux），在那里皇后乐队购买了山间录音室（Mountain Recording Studio）来做日常创作。
在那里弗雷迪喜欢上日内瓦湖的平静与宁谧，在 *** 与澎湃退却之时。
在那里皇后乐队在蒙特勒工作室录制了弗雷迪作为主唱的最后一张专辑“Queen in Heaven”。
蒙特勒市1996年在弗雷迪去世后专门在日内瓦湖边给他立了一座雕像，雕像面朝湖泊和远处的山，仿佛他总不会缺少观众的聆听。
雕像塑造的正是他表演时的经典动作，一手握拳向天，一手低垂轻握没底座的麦克风支架，面孔朝向地面蓄积情绪准备喷薄而出。
二十多年过去了，雕像前人们送上的鲜花常换常新，从没有停止过。
皇后乐队的歌有时代感，好像听着听着就可以被1985年环绕。
和其他摇滚音乐不同，皇后乐队的摇滚更像是井水，从每个人自己内心深处开始，只为抵达另一个人的内心深处。
这种感慨像是哲学，没有实际意义，却是心灵慰藉。
皇后乐队给了生活一个继续下去的鼓励，这种鼓励映射的是周国平说的人生寓言：
人生就是排着队一步一步走向终点，在这个过程中无聊的人们开始拉家常，做自己喜欢的事情，男的女的开始相互认识，于是这支等死的队伍就又生机勃勃了。
在我看来，皇后乐队提供了这样一种向死而生的态度，提醒此刻我们存在。
去年有部“粉丝电影”，一上映就席卷了全球票房。
不仅包揽了英国、日本、韩国等十几个国家的票房冠军；
还将奥斯卡、金球奖收入囊中。
观众说，这是最适合在大荧幕上观看的作品。
却迟迟无法引进。
终于，我们也可以在电影院里，再一次触碰这个复活的传奇——
《波西米亚狂想曲》
Bohemian Rhapsody
豆瓣超 12 万人打分 8.6，好于 92% 的音乐片。
与其说是音乐片，鱼叔更愿意将它称为一部成功的音乐剧情片。
它无意于挖掘名人们不为人知的秘密，也没有让剧本成为迁就音乐的配角。
巧妙的平衡，成就了这部电影的魅力。
不仅能让人心甘情愿走进电影院，更能让人在电影院里，燃到坐不下来，重返那个华丽的摇滚黄金年代。
这一切激动人心的体验，都离不开电影的主角——皇后乐队（Queen）。
他们是上世纪末英伦摇滚的不朽传奇，也是“摇滚史上最伟大现场”的缔造者。
虽然年轻的鱼友对这个名字可能稍感陌生，但他们的音乐，一定已经印在大多数人的心里：
现在听依然振奋人心的「We will Rock you」；
在体育界无出其右的经典bgm「We are the champions」；
引得众多日本漫画家为它致敬的「Killer Queen」；
还有不朽的传奇，摇滚史上唯一一支，两次发行都登顶英国流行音乐榜首的「波西米亚狂想曲」。
从诞生之日起，这个乐队就注定不平庸。
当四个男人为自己取名叫「皇后」，他们就撕掉了身上所有的标签，准备在这个世间大干一场。
乐队的曲风跨度极大，这得益于他们每一个都才华横溢。
贝斯手约翰·迪肯是最晚加入乐队的成员。
他为皇后乐队创作出的《Another One Bites the Dust》是至今仍然占据 Billboard 总榜前一百的神话。
电影中的约翰（左）和约翰本人（右）
鼓手罗杰·泰勒，皇后乐队的颜值担当，被粉丝称为“花花”。
音域和颜值一样高，《波西米亚狂想曲》中令人印象深刻的一段高音就出自他。
电影中的罗杰·泰勒（左）和当年年轻帅气的本人（右）
吉他手布莱恩·梅，是乐队里最学霸的一位。
他是天体物理学博士，英国国家科学实验室工作都对他伸出了橄榄枝。如果没有遇到皇后乐队，这位也是妥妥的社会精英。
但可谓“一遇皇后误终身”，直到现在，他还和罗杰一起，继续着皇后乐队的演出。
电影中的布莱恩·梅（左）和本人（右），可以说是外貌还原度更高的一位了。
而乐队的灵魂人物，是主唱弗雷迪·墨丘利（Freddie Mercury）。
因为多长了四颗牙齿，所以他被粉丝亲切地称为“牙叔”。
在舞台上，他是掌控全场的霸主。
夸张又戏剧化的肢体动作，极具爆发力的嗓音，和天马行空的创作能力，为皇后乐队的成功贡献了不少力量。
他，也是这部电影的绝对主角。
从一个在机场做搬运工的普通大学生，到闻名世界的摇滚巨星，再到巅峰之时骤然离世，弗雷迪的一生，留下了太多众说纷纭的故事。
而这部电影，用他的音乐作品，串联起了他和皇后乐队的成长与坎坷。
故事还要从弗雷迪与皇后乐队的结缘说起。
皇后乐队的前身是一支名为 Smile 的组合，弗雷迪就是他们的粉丝之一。
在一个晚上，弗雷迪终于鼓起勇气，拿着自己写的歌来搭讪。
但好巧不巧，这个乐队的主唱刚刚退出，整个组合面临解散的危机。
沮丧了还没几秒，弗雷迪转念就逮到机会，毛遂自荐。
不过他的外型遭到了无情质疑。
面对难堪，弗雷迪并没有被吓退，虽然一口龅牙让他受到不少嘲讽，可特殊的口腔结构也让他的音域变得更为宽厚。
打动人心的声音，成为他加入乐队的敲门砖，也是一个时代传奇的开始。
在成立之后的两年多里，乐队成员一直保持着玩票的心理。
虽然写歌、演出都没落下，可没人打算把它当做终身事业大展宏图。
直到弗雷迪提出要录一张属于皇后乐队自己的专辑，这张专辑也成为了乐队翻身的关键之作。
虽然专辑本身没有引起什么水花，但录音小样辗转到了当年著名的音乐公司——百代唱片。
从那时起，面对着百代公司的知名经纪人，弗雷迪就说出了自己的宣言：皇后乐队必将是一个独一无二的存在。
而他们四人，的确也有撑得起这份自信的才华。
电影中，最吸引人的桥段之一莫过于《波西米亚狂想曲》的诞生过程。
一路走来顺风顺水的皇后乐队，在这里遇到了一点阻碍。
作为创作者，他们迫切地想要尝试新的曲风，让古典歌剧和摇滚来一场交融。
但老板显然不情愿，为了商业操作的保险起见，他更倾向于选择“套公式” *** 流行歌曲。
然而耗时三周、燃烧经费、录音录到差点把磁粉磨没的皇后乐队，交出的答卷是一份内容晦涩难懂，还杂糅了四种曲风的《波西米亚狂想曲》。
将近 6 分钟的歌曲时长挑战着市场的底线，按照以往的规律，将没有电台愿意传播这首严重超时的前卫之作。
但事实证明，音乐人的坚定，甚至更胜商人的选择。
在那个人才辈出的摇滚年代，《波西米亚狂想曲》硬是独揽头筹，占据英国流行音乐排行榜 9 周之久。
这张专辑，也将皇后乐队送上了摇滚乐的神坛。
可弗雷迪，却在成功的巅峰被孤独感包围，迷失在狂欢和利益的漩涡里。连带着皇后乐队，都要走向分崩离析的道路。
鱼叔在这里不多做剧透，因为皇后乐队至关重要的每一步，都刻在他们的音乐里。
单用文字很难呈现这部电影的震撼。
不过可以保证的是，每一位皇后乐队的粉丝，甚至是从来没有耳闻他们大名的路人，都一定会被电影中散发的 *** 感染。
时隔 20 年，还会有新人因为这部电影，被皇后乐队圈粉。
这不就是电影更大的魅力吗？
为了这一刻的效果， *** 团队没少花功夫。
他们完美复刻了皇后乐队的巅峰——摇滚史上最成功现场：温布利球场Live Aid演出。
1985 年，全球超过 15 亿人收看了这场演出，而皇后乐队出现在舞台上的 20 分钟，也成了永远的传奇。
不仅大场面 100% 还原，处女座的剧组连一个最微小的细节都不放过。
钢琴上随意摆放的可乐和啤酒，包装、位置都丝毫不差。
牙叔拿话筒的独特手势，也是复制粘贴。
当年无缘目睹的那场盛会，在演员和幕后集体的努力之下，终于高清无损地呈现在大荧幕上。
这样的场面，足以让观众热泪盈眶。
一个人撑起电影的牙叔扮演者——拉米·马雷克，为了弥补外形上的差异，差点变成语言学家，天天研究牙叔家人的发音，以此来更大限度地接近弗雷迪。
他的努力也没有白费，虽然无法做到完全相似，不过拉米的演技切切实实地让观众体会到，牙叔对音乐的所有热情。
而他，也成了传递这份热情不可或缺的一环。
他的演绎同样打动了奥斯卡的评委，为他捧回了一座更佳男主角的小金人。
不论是演员、 *** 团队，还是皇后乐队的梅和罗杰，所有用心的付出是为了缅怀这位传奇人物弗雷迪，也是为了永远铭记皇后乐队曾经唱给世界的力量。
我们没能见证他们最热血的时光，但好在，时隔 20 多年，还有这样一部电影娓娓道来所有的往事。
黑暗的影院就是一个时空舱，在那里，我们能清晰地听到他们的声音，重温错过的每一场经典和震撼。
甚至，完成弗雷迪最后的愿望。
而弗雷迪的最后一张专辑，就叫做《来自天堂》。
他在歌词中写道：
旭日辉映，神采飞扬。再没有人，能够将我阻挡。
如果此刻的他还在那里，一定也能听到，穿透电影院天花板的呐喊，是观众们给皇后乐队更好的答案。
《波西米亚狂想曲》3月22日通过艺联院线引进在国内公映，相比国际版有约4分钟删减，对剧情有些许影响。好在影片主题的演唱会等段落仍然完整，值得去影院感受一番音乐的震撼。
作为一部讲述皇后乐队主唱弗雷迪·莫库里人生的传记电影，我们首先要明白的是这并非是一部纪录片，因此与真实故事可以有区别，也有艺术和情节冲突上的加工，但电影是有其他皇后乐队主唱参与 *** 的，也不会离真实太远；
其次是，这部电影主要讲述的是弗雷迪·莫库里的故事，而非整个皇后乐队的经历记录，因此故事角度始终集中在主唱个人身上，故事也在最后的演唱会 *** 中终结，乐队其余人员并没有太多的戏份。
在这个基础上观影，笔者认为《波西米亚狂想曲》是一部优点和缺点都相当明显的电影。
在第91届奥斯卡上，《波西米亚狂想曲》最终斩获更佳男主角、更佳剪辑、更佳音响效果、更佳音效剪辑四项大奖，从获奖情况来看，也不难看出这部影片的优点侧重所在：
传记类电影在更佳男主/女主这一奖项上向来有优势，本片主演拉米·马雷克的表现也无可指摘。另外三个奖项均属于技术类，两项声音相关的大奖毫无悬念被收入囊中，其实也表示了看这部影片的更大享受，或许是在高质量影厅里的听觉盛宴。
笔者在杜比厅中观看了《波西米亚狂想曲》，效果惊艳。据一位同时看过IMAX版本和杜比版本的朋友所说，IMAX厅的效果也相当不错，与杜比厅相比并没有高下之分，因此观影的朋友们可以尝试去IMAX厅观看，更宽广的银幕也有更强的临场感，也更能体会电影所展示的皇后乐队演唱会的现场魅力。
《波西米亚狂想曲》的优点显然在于这种对待技术细节的精益求精，效果完美惊艳。在最后的LIVE AID演唱会上，弗雷迪·莫库里敲出《Bohemian Rhapsody》的钢琴音符，唱出“mama”的开头时，我坐在影院中热泪几乎夺眶而出，那种由于音乐所展现出的的热烈情感激发出一种纯粹的情绪撼动，这种体验是很少能够体会到的。
电影用最后二十分钟完全复刻了现场的LIVE AID，但同时，也就是这最后的完美 *** 拯救了整部电影。
上文说到，《波西米亚狂想曲》是一部优缺点都比较明显的电影。优点在于音乐等技术细节，演员表现等硬实力方面几近无可指摘，配合现场的音效几乎等于看了一场高质量的演唱会；
但我认为缺点在于：之一，《波西米亚狂想曲》的种种设置没有跳脱出一般传记电影的桎梏，在剧本设置上仍然执着于经典的集结—— *** ——决裂——低潮——最后的爆发 这样的套路之上，据我在观影之后查看的资料来看，弗雷迪·莫库里至始至终没有像电影中那样与乐队其他成员产生那样强烈的冲突和决裂，但电影为了营造出剧情的起伏氛围，显然做了很多处理。
不能说这样做不好，只是平庸了些，我认为《波西米亚狂想曲》其实可以不必那么迁就大众，上限原本可以更高一些。
第二点就比较奇怪了，《波西米亚狂想曲》是获得了奥斯卡更佳剪辑奖的，因此对它的剪辑水平进行批评显得有点自不量力，但以我个人的真实感受而言，《波西米亚狂想曲》 的剪辑实在称不上高明，甚至拖了电影的后腿。上面提到电影的剧本相当常规，但《波西米亚狂想曲》反而将故事讲得并不利索，节奏也并不流畅，场景的切换也只是一般水准。
比起同届奥斯卡的《黑色党徒》等片，我实在看不出《波西米亚狂想曲》的剪辑好在哪里，也许是删减的问题，也许是我欣赏水平有限。
从这些角度来说，以传记片的要求来看待《波西米亚狂想曲》，故事角度实在称不上一部出类拔萃的传记电影。
但这并不妨碍我对这部影片的喜爱。在观影之前，我对于皇后乐队的了解相当片面，一方面我非常喜欢《Bohemian Rhapsody》和《We are the Champions》等几首歌，但却对乐队成员的历史丝毫不知。但在观影的过程中，我仍然忍不住为之感动、落泪——
一种强大的情感力量充溢了观众的内心。对于弗雷迪·莫库里的天才、细腻、敏感、勇敢、热情，最终都融化到了那一场盛大的现场演唱中，《波西米亚狂想曲》也深谙这种情感共鸣的强大，不遗余力地打造了最后二十分钟堪称绝笔的演出，引爆了所有人心中的狂热和深情。
也是因此，在走出影院之后，或许很多人的心中想到的是这样一件事，并为之哀痛不已：
此生，我们已经没有机会亲临弗雷迪·莫库里的现场了。
（魔鬼影评系头条签约作者）
我当然非常喜欢汽车，而且很幸运地从事这一行业，早前也对摇滚乐有兴趣，但没想到，试驾完阿斯顿·马丁DB11 V8后，我觉得用一只英国乐队：皇后，以及一只德国乐队：战车，是对DB11 V8更好的诠释。
为什么我说它像是一只伟大的英国乐队和一只牛X的德国乐队的合体？都知道，头一次，DB11 V8所搭载的4.0T双增压发动机正来源于我们熟悉的AMG。但从5.2升V12到4.0升V8，虽然都是双Turbo，但毕竟排量少了1.2升，缸数减了4个，所以在来西班牙试驾的路上，我最初的疑问就是DB11 V8还会那么GT吗？
4.0T V8与DB11到底会产生什么化学反应？的确是我好奇的。特别是在时间点相当特殊的2017年。马丁与奔驰的合作，众人皆知，于是有了DB11 V8，后面马上还有Vantage；今年是马丁成立第105年，早前很高调地开启第二个百年计划，也世人皆知；但更要知道，今年同样也是DB系列诞生的第60年啊，这个时候，阿斯顿·马丁会交出一辆什么面貌的DB呢？
“凭借DB11，马丁大翻身，今年第2季度盈利1520万英镑，而去年同期亏损5260万英镑”
当我驾驶DB11 V8仅仅跑了10公里，“还那么GT吗？”这个问题早已烟消云散，可以说真特么GT。实在未曾想过，DB11 V8不仅仅是一款连对手都稀有的GT，关键是阿斯顿·马丁能将所在车身与核心动力匹配得如此融洽，不免让我联想到伟大的Queen和Rammstein乐队。
我不知道Queen+Rammstein融合起来，在摇滚乐中会称为什么风格？Queen（皇后乐队，弗雷迪当然是大神，布赖恩·梅也是跨界全才）曲风之一是具有强烈艺术气息的华丽摇滚，显然DB11属于艺术和华丽范畴，无论车身设计还是内部材质。Rammstein（德国战车）呢，毋庸置疑属于工业金属（当然加上哥特也理所应当），而AMG的发动机，是相当具有金属范的工业产品。华丽+工业，此世如果有一款车可能是这样的曲风，那只有DB11 V8了。
“这辆DBR1以2250万美元的身价成为英国历史上最贵的车，其次是1955年的捷豹D-Type”
但是当我感觉“DB11 V8真特么GT”时，同时我突然意识到，如今是“又黄又暴力”的21世纪，GT，Grand Tourer，人们是否还需要“伟大的旅行”？无疑马丁是伟大的，所以既然已经有了伟大，那假如是我的话，我可能在伟大之余，还想得到“灿烂的旅行”——无论在城市还是城际，旅行中随时给点阳光的就灿烂。
在整个试驾中，首先让我感到极其灿烂的就是声音，而它也是让我立刻想到Queen和Rammstein的重要因素。可怠速时，V8的声音出奇地低调，一点也不像在AMG上那样如同野兽蓄势的低沉，甚至感觉有些绵弱。马丁专门对此解释了，因为此时要符合其本身气质。
可是当车辆移动起来，以2000转为基准，每上升500转左右，AMG的工业金属开始起范了。V8在之前的隐隐藏藏荡然无存，但它不仅仅是狮吼功加了个大喇叭这么简单放大，而是出现不同的音色，先主唱低声吟唱，后加入电吉他起势，然后贝斯开始上低音，到最后，鼓就high进来了。此时，整个车厢内如同亲临Rammstein现场一般，锤的人无法不奔放。对了，后备厢还如同一个大功放——我一直没搞清楚，前中置的V8，为何声场几乎全在耳后。
“这台AMG，你会先听到Bohemian Rhapsody，然后是We Will Rock You，接着是Du Hast，最后是high到天的Links 234”
☆V8和V12到底有什么区别？
关于和摇滚乐的关系就扯到此为止，二者合体是确凿的。接下来才是主要正题： V8和V12有什么区别？阿斯顿·马丁对这台V8又做了什么“手脚”呢？首先看最明显的数据吧，数据上少了骄傲的12数字，但也正由于这一点，相较于V12，V8重量更轻、体积也更小。要知道对于一款GT而言，减重真就如同现代女性减肥一样困难。总之，V8 DB11整车自重为1760公斤，比V12减重达115公斤——整整少了两个我。
具体数据如下：
从账面上看，重量有效减轻后，发动机更大功率扭矩并没有拉开什么差距，百公里加速也仅仅差了0.1秒而已，更高车速呢？我不知道时速300+后会有何区别。但是二氧化碳排放量肯定对阿斯顿·马丁有利，因为能拉低整个企业的排放量水平。这一点看，V8即便有千般数据减分，仅此一项，就是马丁发动机班级里的学霸——是否还有人记得Cygnet？
而在数据之外，这张图最能体现。看到了吗？首先，整个V8竟然都坐在前桥后面（前面空间可真是奢侈啊），而且只有亲眼看到才能感觉到位置真低，不要忘记了两个涡轮还在正上方呢。放在上面当然对散热有利，同时也是因为4.0T气缸为90度夹角，而5.2T是60度。
能将发动机重心降低还得益于马丁将AMG V8的湿式油底壳进行了特别的修身处理，同时修理的还有进排气系统、电子系统包括开发了全新的ECU，还重新调校了发动机油门映射。至于说失去了什么？除了4个缸，我只知道原来V12上金色的铭牌和金色机油口盖，据说某珠宝制造商量身打造的blingbling，V8上真的没有了。
上面文字肯定会带来另一个问题：
“那还买V12吗？”
我只知道：
“男人永远不会停止对玩具的痴迷，长大后，他们的玩具只会更贵、更 *** 、更不实用。”
☆V8与V12更大区别竟然是…
此前帮主试驾DB11 V12，他就确定此车会大卖，果然言中了，不过他也说过，V12非常运动和硬朗，从动力到悬架，从声场到气场，均如此。对此我有心理准备，但未曾想到，现在我觉得假如我有一台V12的DB11，仍然有足够的理由说服自己在车库里再加一辆V8，而且一点也不冲突。
好像过分了啊，好吧，但绝不是给“雅豪们”找理由。从动力到悬架，从声场到气场，声场刚才已经描述过了，而气场呢，除了外观能感受到“气”的存在外，显然还和动力有关。实际上动力的输出根本不用在乎转速，我想绝大多数情况下，这台V8的表现与V12差异不大，极速当然另当别论。
双涡轮V8完全不用有任何担心，但要知道，现在与V8搭档的换成了ZF的8挡自动变速箱，而非熟悉的双离合了。一路上我都是使用手动模式，满脑子想的都是可别浪费了。实际上，8AT的选择是对的，它能提供足够的速度与 *** ，但没有双离合那么青春莽撞、火烧火燎，因为DB11是GT的定位，也需要提供GT的感觉。
另外，V8与V12更大区别之一来自于不同模式下，动力的输出明显不同了，这是所有人一致认同的。从GT模式到S到S+，相比DB11 V12以及Rapid S，三个模式的区别更明显了，要知道，此前三者其实是有些模糊和重叠的。特别是在GT模式下，油门响应竟然出奇地线性，线性到我认为即使是一名普通女性驾驶者，也能毫无压力地驾驭它。除了宽大的车身，压力之外只有惬意，当然前提是你不去刻意挑逗它，否则DB11依旧会毫不留情地虐你。
而S模式以及S+模式，更属于大多数男人的天堂，前面说男人喜欢的玩具更“ *** ”在此时发挥的淋漓尽致，因为你只需要脚部的深浅，向它发出0和1的指令即可获得 *** ——恍惚觉得自己就是穿着T恤的、有头发的、没有伦敦腔的杰森·斯坦森。
重点来了，与V12版本更大的区别就是上面这个按钮。悬架如以往一样也可3级模式调节，但是这个悬架在此的表现与V12可以说真不像一款车。因为即便悬架选择运动模式，都没有那么硬了，这倒符合GT的意思。在GT模式下悬架让人感到舒适，这是极好的，而随着模式调节，悬架依旧不会通过硬颠簸提升这种方式告诉你运动的定义，唯觉得路感更清晰了。
总的来说，马丁对这款V8，在悬架上似乎铁了心设定死了GT的范围，三种模式都没有跨越Tour的范畴。于是乎，一天下来，对DB11 V8更大的感受除了它是一台性能如Rammstein，艺术如Queen的GT外，我深深体会到了温情。因为它不仅仅只有性能，也能很会照顾人，不仅是希望获得它两副面孔的男人，假如是一名女性驾驶者，日常使用使用同样可以，而V12怕是缺乏这一面的。
当然，对于悬架的期望每个人都不一样，而对于内部设计，也许会比较统一一些。
还是一样，从这个旋钮可以看出内部有明显的AMG影子，人机交互系统同样如此
从这里可以看出出风口的突兀，至于那一排同样黑色空调按键，真的是手感不错的金属材质
需要特别表扬下座椅，视觉、支撑、包裹，都极为上佳，而且入座时的姿态也能很优雅
☆在一处弯道，我油给大了
是的，既然在我身上出现过这么一次状况，那就再说一下吧。手握着DB11转向精准而且指向极佳的方向盘，脚底有随叫随到如英国管家一样的动力，再加上由于使用V8后大部分的重量向车辆中部集中，灵活的车身让我得意忘形。
于是，在某处出弯中，油门给得深了一些。在此告诫大家，我印象相当深刻，轮胎没有任何预警，侧倾也没有任何表现，但已然突破临界点了，于是DSC启动，而这时你才听到轮胎与地面摩擦的声音。一刹那而已，车头已经偏离轨道，但是系统反应极其灵敏，在出现异常几乎同时，DSC纠正了方向和车身姿态，而且更重要的是瞬间动力又回复正常。于是回方向、给油，继续下一个弯。
可见对于危险动作，DB11 V8还是看得很紧的，而且应对自然，我也是之一次出现这个情况，但完全没有受到惊吓。可是，车辆否到达临界点，那就要看驾驶者的经验以及对它的了解了。再提一句，山路上攻弯，选择挡位时，可以考虑选择更高一个挡位，因为动力存储量足够，加速能力差别并不太大，但不同转速下的声场还是有不小差距的，至少我会这么选择。
至此，300公里感受到此结束，更深的认知留给年底吧。一句话，如果你不在乎DB11 V8是Queen+Rammstein，那么换一种说法也行，它既可以伟大地旅行，也可以灿烂地旅行。而V8之后，还有什么马丁呢？我想V8 Vantage是妥妥地出现，4.0T？Why not！马丁SUV呢？DBX也不远矣。哦，对了，马丁会继续上身奔驰S级上新的直6吗？未来就留给未来吧。
最后，小测验一下。我身上T恤写得是哪个乐队的名字？好吧，换一个，从始至终，马丁没有DB几？
老实说，“无聊”一词已经不够形容今年的金球奖了。
虽然金球奖常年被人批娱乐性太强，而缺乏专业性，但也没想到今年从提名到获奖，都是莫名其妙。
如果吴卓珊获视后算作好莱坞对亚裔的一种肯定，那么《黑豹》的入选就显得过于政治正确。
▲吴卓珊凭借剧集《杀死伊芙》获剧情类更佳女主角
既然是好莱坞的娱乐派对，那么像《一个明星的诞生》这样玛丽苏鸡汤片入选也不奇怪了。
当然今天并不是要继续吐槽Lady GaGa，而是想要聊聊今年金球奖的更大赢家 ——
《波西米亚狂想曲》
Bohemian Rhapsody
《波西米亚狂想曲》主要讲述了英国著名的皇后乐队主唱弗雷迪·默丘里从行李搬运工到摇滚偶像的传奇人生。
作为一部传记电影，其实《波西米亚狂想曲》并不是很出彩，没有如《模仿游戏》那样富有张力的剧本，或者如《末代皇帝》的情感内涵。
在2018年11月2日上映后，影评人烂番茄只有62%，但是丝毫不影响影片在北美取得1.7亿美金的佳绩。
做到此成绩，我想大部分都要归功于皇后乐队的超强影响力。
作为世界上最伟大的摇滚乐队之一，皇后乐队为世人带来无数音乐经典。
如果你不是摇滚迷，即使没有听过皇后乐队的名字，那么也肯定听过《We Will Rock You》、《We Are The Champions》这两首经典歌曲。
We Will Rock You
Queen - News Of The World
We Are The Champions
Queen - The Platinum Collection
1991年，皇后乐队的灵魂人物，主唱弗雷迪·默丘里因为艾滋病逝世，享年45岁。
片名Bohemian Rhapsody（波西米亚狂想曲）其实就是由默丘里编曲填词，于1977年发行皇后乐队的成名曲。
但其实影片故事并不是围绕着皇后乐队，而是以1971乐队成立到1985年，15年间主唱弗雷迪·默丘里的人生轨迹为主线。
弗雷迪·默丘里生于东非坦桑尼亚，父母亲都是出身英属印度，所以他被称为“英国的之一位亚裔摇滚巨星”。
由于天生比别人多长四个门牙，歌迷也称他为牙叔，同时他高亢璀璨的嗓音更是一大特色，音域甚至能跨到四个八度。
弗雷迪本来只是一个机场的搬运工，平时爱好音乐，但是父亲并不支持。
而皇后乐队的前生则是吉他手布赖恩·梅和鼓手罗杰·泰勒成立的 *** ILE乐队。
由于乐队主唱在一次演出离队，弗雷迪毛遂自荐加入并成为了乐队主唱。
后来乐队改名“皇后乐队”，象征肆无忌惮且华丽的乐风。
期间弗雷迪富有表演力的演唱方式也初显风格。
扭腰，摇麦，中性打扮，都是他最为显著的标志。
同时弗雷迪还遇见了自己一生的挚爱，玛莉·奥斯汀。
虽然后来两人分手，但是弗雷迪依然把她视为一生的朋友，甚至死后将全部遗产留给了她。
乐队成立两年后，四人大学毕业，开始四处录音巡演。
他们的音乐创造性，也被百代唱片公司看上，为他们发行了之一张专辑《Queen》。
最开始他们受到经纪人对其音乐风格的限制，他们的专辑也不温不火，甚至要求他们在BBC的节目里假唱。
直到他们的第四张专辑《A Night at the Opera》，才一举打破了之前的传统模式，真正奠定了华丽摇滚的风格。
Bohemian Rhapsody
Queen - Bohemian Rhapsody (The Original Soundtrack)
而专辑中，最出名的便是弗雷迪编曲填词的《Bohemian Rhapsody》。
歌曲长达6分钟，用歌剧的形式，分为5章，有4种曲风。
在发行专辑前，队员一致想用此歌作为主打歌曲，但是唱片公司觉得太冒险。
经过四个人的争取和努力，这首歌终于在电台首播。
事实证明，乐队的决定是正确的，《Bohemian Rhapsody》在英国单曲榜上获得连续九周的冠军。
该专辑也成为当年的英国专辑榜冠军，皇后乐队因此名声大噪。
弗雷迪在音乐上找到了自我，同时他也逐渐意识到自己的性取向。
他和自己的助理保罗产生了暧昧关系，同时开始寻找同性玩伴。
这也导致了他和玛丽的情感破裂。
最终弗雷迪向玛丽坦白了一切，两人分手，但是一直以朋友身份相处。
电影只有一部分叙述皇后乐队传奇之路，其中包括一些名曲的诞生过程。
但影片后端，主要呈现了主唱弗雷迪的人物心路。
在乐队名利双收后，弗雷迪开始变得迷茫和堕落，他买下豪宅，没日没夜地开着派对。
舞台上外放的弗雷迪，内心其实是敏感和脆弱的。
这一性格特点，也成为他之后人生轨迹的重要因素。
在助理保罗的挑拨下，再加上弗雷迪内心的膨胀，乐队发生内讧，弗雷迪选择单飞离队。
但是弗雷迪的事业并没有上升，他在性和毒品中麻木自己。
个人专辑迟迟也无法完成，反倒是八卦新闻铺天盖地。
在玛丽的一次意外拜访中，才发现他混乱不堪的生活。
也是因为玛丽，弗雷迪重新认识了自己。
他开掉了保罗，直面那些八卦新闻，然后与队友和好重回乐队。
此时的BGM是Queen和David Bowie共同演唱那首著名的《Under Pressure》。
Under Pressure
Queen/David Bowie - Hot Space
但是，留给弗雷迪的时间并不多了，他检验患上了艾滋，身体渐渐虚弱。
事实上，弗雷迪是在1987年4月被确诊患艾滋病的，如果以1985年结束，就无法涉及后面的命运了。
影片最终让时间停留在1985年7月13日Live Aid 摇滚演唱会上。
这场名为“拯救生命”的大型慈善摇滚乐演唱会在英国伦敦和美国费城同时举行。
参与的人有鲍勃·迪伦、保罗·麦卡特尼、布鲁斯·斯普林斯廷、蒂娜·特纳、艾尔顿·约翰、皇后乐队、U2、麦当娜·西科尼……
在所有摇滚乐迷心中，这场演唱会足以堪称伟大。
皇后乐队在演唱会上用20分钟，表演了3首歌曲。
在弗雷迪的神级演唱下，这20分钟被称为摇滚乐史最伟大的LIve之一。
不得不说，演员拉米·马雷克对弗雷迪·默丘里的还原度相当高。
无论从外表还是动作和眼神都相当传神。
同时在表演时，拉米·马雷克还得到乐队成员布莱恩和罗杰的亲自指导。
▲现实和电影
在最后的演唱会部分，两人还指导了大量细节，无论是放置的器材设备，还是场上的饮料酒水，都和当年的场景没有差别。
现场还原度足以让乐迷们 *** 到落泪。
《波西米亚狂想曲》作为一部传记电影，其实缺点有很多，比如人物刻画单薄，叙述简单，故事平淡。
但是做到影片更大优点，就是尽量还原真实弗雷迪·默丘里，加上一首一首经典的歌曲，乐迷不买账都不行。
影片最后，一张张熟悉的历史照片出现在眼前，耳边响起弗莱迪生前创作的最后一首歌《The Show Must Go On》，我相信每一个喜欢摇滚的人都会被感动。
当然，电影无法完全复制皇后乐队所在的那个伟大的时代。
那时候巨星璀璨，每一个音乐人都有自己的伟大光芒。
他们让现在的人，为之向往和痴迷，也为之惋惜和哀叹。
We will. We will rock you!
上面这一句英文你是不是唱着把它读了出来
We are the champions, my friends.
那么这句呢？
音乐就是有这样的力量，一首经典的歌曲能赋予一个简单的句子一个永不磨灭的旋律，为全世界人所铭记于心。
而创造这样歌曲的人，毫无疑问也将在历史上留名。上述两首歌曲，就是英国摇滚乐队Queen无数首金曲之中的其中两首。
在刚刚过去的金球奖上，Queen的传奇主唱Freddie Mercury的传记片《波西米亚狂想曲》（<Bohemian Rhapsody>）击败其他四名对手，一举拿下了分量最重的剧情类更佳电影奖。
今天，我们就来聊聊这部上映2个多月，依旧场场几乎爆满，票房口碑双丰收的年度大热。
《波西米亚狂想曲》
Freddie Mercury是一个身上有着太多标签的人：龅牙、音乐天才、天生的舞台表演者、横跨四个八度的摇滚史更佳嗓音、双性恋、艾滋病，当这一切的标签被贴在一个人身上的时候，天使与魔鬼便是对于他的更好注解。
他被歌迷们疯狂喜爱，甚至科特·柯本（Kurt Cobain）也在遗书中提到了他对Freddie的崇拜与羡慕，但也曾伤害身边人，双性恋的取向伤害了他一生中更爱的人玛丽·奥斯汀；
他能创造史无前例的音乐榜单成绩，能创下当时英国史上更高单曲销量，但也让唱片公司高层头疼不已，一张《A Night At The Opera》打破主流认知却花掉了当时更高的一笔唱片预算。
这部传记片的片名《波西米亚狂想曲》是他所创作的长长经典歌曲名单中的其中一首，这首长达6分钟的歌曲被分为六个部分：序曲，歌谣，吉他solo，歌剧，硬摇滚，尾声，每个部分都是单独的一种风格，几乎像是六首歌曲的 *** 。
作为影片的片名，这首歌曲的创作过程也被全部呈现在了银幕前，看着当时陷入创作瓶颈的Freddie灵光一现后，在钢琴上弹出旋律的时候，相信所有观众都会起了一身鸡皮疙瘩。
《波西米亚狂想曲》也将大量的笔墨着力于描写Queen的那些金曲的创作过程。
从文章开头提到的<We will rock you>和<We are the champions>，到<Radio GaGa>和<Another one bites the dust>等等…在影片拍摄期间，Queen乐队的其他成员例如鼓手Brian May多次到片场探班，这些创作过程的还原程度丝毫不用质疑。
还原，也就是《波西米亚狂想曲》的核心。
饰演Freddie Mercury的Rami Malek从龅牙到腋毛的全方位武装；
最后20分钟Live Aid每一个摄像记者的穿着、钢琴上的百事可乐杯子的摆放都严丝合缝的匹配的纳米级还原。
《波西米亚狂想曲》将那些耳熟能详的歌曲，和那场震撼人心的演出，用更高清的形式做了最完美的还原。
尤其是影片的重头戏，也就是最后20分钟的Live Aid演唱会。这场汇集了包括麦当娜、David Bowie等全世界所有音乐巨星的慈善演唱会，无论你是多大的大牌，都只能获得20分钟的演唱时间，而作为天生表演者的Freddie，将这一整场演唱会变成了他的个人表演秀。
当时的Freddie因为和乐队成员之间的矛盾曾经短暂退出Queen，在得知了自己罹患艾滋病之后，放下身段重新回归Queen乐队，Live Aid便是他回归之后的之一场演出。
当穿着紧身白色背心的Freddie在钢琴下弹下<Bohemian Rhapsody>的旋律，唱出：
Goodbye everybody - I've got to go再见吧，各位，我要离开了 Gotta leave you all behind and face the truth我将离你们而去，去接受现实的审判 Mama' ooo妈妈，喔…… I don't want to die我也不想死去
这四句歌词的时候，相信没有人能止住自己的眼泪。
最后20分钟的Live Aid震撼、癫狂，生在现在这个年代的我们再也没有机会亲临Freddie Mercury的现场。
这20分钟，就是我们距离神，最近的时刻。
影片在Live Aid的片段过后戛然而止，就如同Freddie的生命一样，在向公众宣布自己罹患艾滋病之后的一天，就去见了上帝。
但电影不是游戏重制，剧本也不是历史还原，《波西米亚狂想曲》作为一部人物传记片，实在难以称之为优秀。
摇滚音乐人作为自由的一派，他们的传记片通常都有别于其他历史人物的传记片，音乐的加入让他们的人生多了更多迷幻和传奇的色彩。
我们所熟知的经典摇滚传记片有平克·弗洛伊德乐队（Pink Floyd）的《迷墙》，有大门乐队（The Doors）主唱Jim Morrison的传记片《大门》，有性手枪乐队（Sex Pistol）乐队的《席德与南希》，或者并不算是严格意义上传记片，但依托于大卫·鲍伊 (David Bowie) 和伊基·波普（Iggy Pop）之间的故事所创作的《天鹅绒金矿》。
这些电影都不算是传统的类型片，在形式上甚至做出了众多反类型的尝试，从形式上就和那些摇滚之神无限贴近。
但《波西米亚狂想曲》作为一部投资巨大的好莱坞影片，形式上的畏手畏脚让影片在内容上局限在了对Queen乐队和Freddie的一些片段的忠实还原，对于Freddie生活和个人的展现也略显保守。
这之间或许有中途更换导演的原因，2017年12月，因为多次缺席 *** ，和演员剧组发生冲突，导演布莱恩·辛格被解雇，德克斯特·弗莱彻顶上拍摄了影片的其余部分。
无论怎样规避风险，这都会对影片的创作造成伤害，成片过于片段化展示的毛病也能看出端倪。
所以我们看到，影片票房飘红，iMDb18万观众打分均分8.3，但在评论届却没有得到相应的吹捧，Metacritic仅有49分，尚未及格。
但它是一部好电影吗？绝对是。
最后20分钟的Live Aid高清重制可能是2018年在影院中能够得到的更好视听体验，更别提其中所蕴含的情感力量。
但它真的是一部好的传记片吗？或许不是。
我们很难从这2小时14分的影像中提炼出一个完整的Freddie Mercury的形象，他更像是生活在杂志报道中的摇滚之神，高高在上，却始终无法走入内心。
不过，纵有再多遗憾，单靠最后20分钟的神级发挥，《波西米亚狂想曲》就能值回票价、同时还能赚走眼泪。
【歌手未经授权翻唱皇后乐队歌曲】昨晚《歌手》节目中，声入人心男团与迪玛希献唱皇后乐队《Love Of My Life》+《We Will Rock You》+《Bohemian Rhapsody》+《We Are The Champions》，随后有网友质疑这四首歌并未获得版权方许可。今日，@索雅音乐版权 回应称“昨晚的《歌手》中使用到的这四首歌曲均是我司所管理的词曲音乐作品，截至目前，我们从未向湖南卫视歌手节目发放任何授权许可。”
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这场曾让十亿人疯狂的演出，有人靠复刻20分钟就拿下奥斯卡滚君从来没有这样的体验：
年少时，曾费尽心力从论坛里扒下来的传奇演出，重新出现在电影院的超清屏幕上；
上学时，和伙伴骑着车扯着嗓子在放学路上瞎嚎的歌曲，通过影院的环绕音响再次在我耳边震撼。
电影院里的人来自不同的环境，有不同的背景，甚至连年龄都有很大的差距，但是当电影里熟悉的鼓点再次响起，我感受到地板的同步震动。
光是这个节奏，就足够让人热泪盈眶：当年晚自习时配合我一起拍着桌子，用蹩脚英语反复唱“We will we will rock you”来发泄青春烦闷那些伙伴，现在都在哪里？
电影结束灯光亮起，我和隔壁的年轻小伙交换一个眼神，我知道我们并不来自一个时代，但我们共享了彼此的青春。
滚君突然想起之前写文章时，就曾看到过国外歌迷上传的合唱视频。
屏摄的这个行为滚君不鼓励，毕竟侵犯了电影的版权，但不得不说，内容真的让人感动。
视频里画面很黑，除了屏幕什么都看不到，但当主唱坐在钢琴前，唱出那声“Ma Ma”的时候，影院里开始零零散散跟着开始唱，最后声音渐渐汇集在一起，大声唱完整首歌。
屏幕里和屏幕外的声音融在一起，大家在电影院参加完一场身临其境的演唱会。
这大概就是传奇的魅力，即使近半个世纪的时过去了，但再次响起时，就像一颗 *** 炸在人群之中，总能引发着强烈的共鸣和震动。
《波西米亚狂想曲》把摇滚的那份狂热重新放在我们面前，让人久违地感受到现场带来的感动，让人知道喜欢摇滚的我们并不孤单。
光凭这一点，就足以让它成为滚君今年的年度更佳，没有之一！
滚君在《波西米亚狂想曲》刚获得奥斯卡的时候就提过，最后的那20分钟的演唱会，让人看得心潮澎湃。
而在电影院再看这段演出，无疑会被震撼得热泪盈眶，因为影院的音响效果，带着所有人穿越时空，补上这场被我们这代人错过的传奇演唱会。
当聚光灯闪过，牙叔坐在钢琴前弹出《Bohemian Rhapsody》之一个音符时，他穿越时空，完全征服电影院里的每一个人。
皇后乐队的音乐环绕在大厅里，吉他的弹拨和钢琴的按键声清晰可闻，瞬间竟让人不知道自己是坐在荧幕前观影，还是站在Live Aid演唱会的台下，跟着数十万人一起振臂狂呼。
《Bohemian Rhapsody》的戏剧张力，让所有人立刻陷入到牙叔带来的激昂情绪之中。
唱《Radio Gaga》时，牙叔从钢琴边起身去到麦克风的样子，仿佛拿到王的权杖，整个世界都在等待着他的发号施令。
他唱高音，观众就跟着唱高音；他挥手，观众就举起双手掀起一波波人浪；甚至他随口说的一句“All right”，观众都笑着模仿。
最后的那首《We Are the Champions》，一开口就让人泪流满面。
这首在无数场合里播放过的歌，早已被冠上了不同的含义。
而在电影里，这首歌就只有一个意义：这是Queen的胜利，他们的每一次鼓点都敲打在心上，每一句歌词都击中灵魂。
文字在这样 *** 燃尽的音乐面前苍白无力，无论是不是他们的粉丝，都能被这个真正的大型摇滚现场震撼。
这才是真正的摇滚，永远拥有惊人的生命力，永远让人充满力量。
在看到电影的幕后花絮时，滚君才知道最后近20分钟的Live Aid演唱会是一次性拍摄完毕的。
因为要复刻这个传奇演唱会，节奏和感觉都需层层递进，最后把情绪推向更 *** ，如果中间有任何失误和停顿，前后就会有明显的不连贯，整场都要推倒重来。
除了剧组追求极致的拍摄，电影最后能呈现出这样像素级还原的现场，四个演员也贡献出超神的演技。
在Queen的成员Brian May和Roger Taylor的指导下，这四个年轻的扮演者能够找到乐队当年的状态，感受到他们曾有的 *** 和热血。
梅校长在拍摄前，指导扮演自己的演员吉他动作
Roger在向身后的演员示范曾经的表演
吉他手和鼓手还有Queen的原有成员进行指导，但作为片中的绝对主角，牙叔的扮演者拉米·马克雷，需要自己一遍遍地研究牙叔生前的影片，一秒秒地学习那些标志性的动作和神态。
拉米以音乐作为解密的钥匙，用歌曲去重新体验牙叔的人生，思考在特定的时刻里，表演会有怎样的不同状态。
比如在早年间，牙叔还因为自己的龅牙而感到自卑，下意识地做一些小动作遮盖住自己的牙齿。
但随着演出次数的增加，牙叔渐渐丢掉自己的自卑，在舞台上可以肆无忌惮的张嘴大笑。
拉米学会牙叔所有的标志性动作，理解清楚每个行为背后的逻辑，然后忘记掉这些刻意的学习，把它变成下意识的习惯瞬间。
梅校长都认证他的努力，说：“我们有时候会忘了他不是弗雷迪。”
而当他出现在荧幕里，就算看过无数次皇后乐队演出视频的滚君，也被他的表演说服，恍惚间牙叔好像从未离开过，他眼里的那些真诚和热情，从未因为时间而褪去光芒。
不得不说这个表演，确实值一座奥斯卡影帝。
很多人在看完电影后，认为电影对主唱的着墨太多，而忽视了其他成员的表现。
但梅校长都反复强调过，这部片子并不是关于Queen的，而是关于Freddie那短暂而多彩的一生。
在这样的感情下，《波西米亚狂想曲》温暖而澎湃，似乎就是成员们在牙叔去世27年后，为他写下的一首情歌。
他在舞台上像个国王，观众被他抓在手心里，他有能力把世界的目光都击中在自己身上，制造出一个个的演出神迹。
而在生活中，牙叔敏感又孤独，在一次次的狂欢派对完毕，人潮散去之后，寂寞凝结在空气中，一个人反复按着琴键，没人能陪他对抗孤单。
这样强烈的落差，赋予牙叔更丰富的魅力。
在电影，牙叔在排练完毕后跟成员宣布自己患病的消息。
他不让成员大惊小怪、愁眉苦脸，甚至不允许他们去同情他，因为他觉得那是在浪费时间，他只想用时间去做音乐：
“我决定我是谁，我要做我自己，一个能给观众带去天堂级感动的表演家。”
牙叔成就了自己的传奇，他不允许自己的声音被淹没，于是在每一次舞台上的全情燃烧自己。
电影里最后那首《Don’t Stop Me Now》，无疑是牙叔人生信条的真实写照：
Don’t stop me别阻止我’Cause I’m having a good time having a good time因为我正玩的开心I’m a shooting star leaping through the sky我是跃过天空的流星
他是最耀眼的流星，燃烧过整片天空，电影有结尾，但牙叔的传奇永不落幕。
在真实的人生里，他也确实在生命的最后时刻，践行着自己的人生信条，从未向谁屈服过。
就算被病痛折磨，身体愈发虚弱，他还在坚持着做音乐。
瘦到皮包骨，连说话和站立都稍显困难的时候，牙叔还完成MV的录制，对音乐和表演的热情，让他不惜燃烧自己，也要继续自己的音乐创作。
他抓紧每一分钟录音，就算躺在床上无法起身，也要唱完自己的最后一首歌，他用尽自己生命里的每一天，只为音乐。
我们看过太多用疾病贩卖同情的故事，而牙叔之所以成为一代传奇，就是他即使身患重病，也依然能感知生活的美妙，依然能享受生命到最后一刻。
他的生命虽然短暂，但活出了别人几辈子的丰富和精彩，并把生命力永远的注入歌声里，影响至今。
就像他说的：
“人生最重要的是活得精彩，只要活得精彩，我不在乎活多久。”
挟一举夺得四座奥斯卡小金人（更佳男主角、更佳剪辑、更佳音效、更佳音效剪辑）的余威，取材自皇后乐队主唱弗雷迪·墨丘利（Freddie Mercury）生平的影片《波西米亚狂想曲》（Bohemian Rhapsody）于3月22日登陆国内各大院线。这部电影自去年11月在美国等地公映以来，已经拿下8.7亿美元的全球票房，高居票房史上音乐传记片的首位。
在票房大卖的同时，评论界对于《波西米亚狂想曲》却不以为然，在影评网站“烂番茄”上，它的好评率仅仅勉强过及格线（61%）。影片由乐队的两位成员布莱恩·梅（Brian May）、罗杰·泰勒（Roger Taylor）担任联合监制，虽然在内容的真实性上有所保证，也能省去后续的打官司之类的麻烦，但也不免限制多多，束手束脚。英国《观察家报》的影评人希姆兰·汉斯（Simran Hans）就批评安东尼·马克卡腾（Anthony McCarten，《至暗时刻》、《万物理论》）写的剧本太过平淡。
事实上，拍摄摇滚音乐人的传记片从来都是吃力不讨好的尝试，两极分化的评论稀疏平常。虽然摇滚音乐人的人生经历往往 *** 澎湃、波澜壮阔，本身就是电影的绝佳素材；但鉴于他们的大众知名度高，自认对偶像了如指掌的死忠粉也不在少数，因此难免众口难调，莫衷一是。不过，能获得多数歌迷认可的摇滚传记片也并非绝无仅有，比如以下的这十部，其中的前九部出自《滚石》杂志2016年评选的“史上更佳音乐传记片Top30”，还有一部《1988年的妮可》则是在笔者个人看来，近年诞生的摇滚传记片中的佼佼者。值得一提的是，影射詹妮斯·乔普林（Janis Joplin）生平的《歌声泪痕》（The Rose），以及影射大卫·鲍伊（David Bowie）与米克·蓝森（Mick Ronson）、伊基·波普（Iggy Pop）、娄·里德（Lou Reed）交往经历的《天鹅绒金矿》（Velvet Goldmine）等虚构成分较多的影片，即便本身质素颇高，也大彰摇滚精神，但无法归入传记片来考量。
《巴迪·霍利传》（The Buddy Holly Story） 1978
在斯蒂夫·拉什（Steve Rash）执导的这一部关于已故的得州伟大摇滚音乐人巴迪·霍利的电影中，主演加里·布塞（Gary Busey）亲自上阵演唱了霍利的那些名作，获得奥斯卡提名也是实至名归。布塞在片中注入的摇滚精神相当纯真，是好莱坞同类作品中很少能见到的。从根本上来说，这部电影最为深远的影响，还在于它成功地将霍利的音乐重新介绍给美国听众；就在迪斯科最热的年代，这部电影引发的话题却将《Buddy Holly Lives》这张精选唱片推到了Billboard第55名的位置上。
《猫王艾尔维斯·普雷斯利》（Elvis） 1979
自从“猫王”在1977年过早地离世之后，影视界已推出过多部“猫王”的传记作品，但时至今日，由约翰·卡朋特（John Carpenter）执导的这部电视电影，仍不失为其中的佼佼者。主演库尔特·拉塞尔（Kurt Russell）在此之前，主要仍以出演诸如《电脑神童》（The Computer Wore Tennis Shoes）之类的迪士尼真人电影而为观众所识，但却凭借这一次饰演“猫王”的精彩演出，而获得了艾美奖的提名。他以一种与戏仿完全不沾边的方式，完美抓住了这位天王巨星的深邃。他并没有在这部电影里真正演唱——只负责对口型，声音部分由乡村音乐歌手罗尼·麦克道尔（Ronnie McDowell）负责，但他的舞台表演确实高度再现了“猫王”在台上时所表现出的力量与震撼。对于“猫王”个性中更为黑暗的那一面，影片也没有轻描淡写地弱化处理；拉塞尔开枪射烂宾馆电视机的那一场戏，堪称所有“猫王”电影里最让人难忘的一幕。
《席德与南茜》（Sid and Nancy） 1986
影片记录了英国摇滚乐队“性手枪”（Sex Pistol）乐队成员席德·维舍斯（Sid Vicious）如何一步步滑落毒品深渊，直至最终杀死自己女友，自己也吸毒过量而亡的过程。这部电影跟音乐的关系其实并没有那么密切，现今看来，席德·维舍斯的音乐甚至已经不太像朋克乐了，反而更像前卫摇滚：看看影片中他和南希在垃圾桶旁边顶着垃圾雨接吻的那一组慢镜头就能明白，相比从喉咙深处直接喷出来的咆哮声，他的音乐具有类似于管弦乐的宏大气势。
撇开音乐不谈，加里·奥德曼（Gary Oldman）表现出的席德身上的那种自暴自弃的个人魅力，实在是太有魔力了，甚至就连“性手枪”的主唱林顿（John Lydon）在看完电影之后，一边气愤地诅咒导演亚力克斯·考克斯（Alex Cox）可以去死了，但也还是被奥德曼的表演所打动，给予他高度赞扬。
《青春传奇》（La Bamba） 1987
凭借饰演墨西哥裔的摇滚明星瑞奇·瓦伦斯（Richie Valens）的卢·戴蒙德·菲利普斯（Lou Diamond Phillips）以及饰演哥哥鲍勃的埃塞·莫拉雷斯（Esai Morales）的精湛演技，影片《青春传奇》细致入微地重现了17岁的瓦伦斯生命中最后八个月的跌宕起伏时光：原本普普通通的高中生，传奇般地一夜成名，很快又成为悲剧空难的受害者。
本片不光记录他早逝的人生，也触及了1950年代晚期遍布整个洛杉矶的种族矛盾以及拉美裔美国人的生活艰辛。不过，影片的核心还在于重申瓦伦斯对于流行音乐经久不衰的影响力：结果，影片也确实让Los Lobos乐队重新演绎的瓦伦斯经典名曲，登上了唱片排行榜之一的位置。
《大门》（The Doors） 1991
这部电影上映时，已故知名影评人罗杰·伊伯特（Roger Ebert）曾抱怨说：“观看这部电影的过程，就像是一个不喝酒的人，被迫陪着一个讨人厌的醉鬼，在酒吧里坐着。”或许的确如此，但是导演奥利弗·斯通（Oliver Stone）对于“大门”乐队主唱吉姆·莫里森（Jim Morrison）的这一次纪念，有着一种动感十足又荒诞不经的雄壮华丽感，影片将摇滚表现到了极致，即便是因此而毁灭，也毁灭得十分壮观。
方·基默（Val Kilmer）扮演的莫里森，堪称其演绎生涯中最精彩的一次表演。他没有去神话这位27岁便早逝的歌手，反而用塑造荷尔蒙、酒精和毒品麻醉之后的他，来代表整个1960年代洛杉矶的享乐主义。他诠释的莫里森既像个英雄又行事荒唐，既满嘴胡话也满嘴诗意。
关于莫里森其人，导演斯通没有去做评判，只是营造出迷幻的声音与忘情狂欢的画面，不过，借着影片中经历了一次疯狂之旅的观众，应该不太会想要去模仿莫里森的自毁行径。
《燃情岁月》（Backbeat） 1994
《燃情岁月》的电影配乐虽然不能说是货真价实的原声重现——那些歌曲都是由包括Thurston Moore、Dave Grohl、Mike Mills和Greg Dulli在内的一支超级组合重新演绎，但他们爆发出的无 *** 主义的能量，足以弥补这方面的缺憾。影片聚焦的是披头士乐队（The Beatles）早年在德国汉堡驻唱的经历。彼时他们还都在翻唱其他人的作品，这一点同样也让没有用到原声显得不那么可惜。
这部电影着力表现的是偶像人物尚未成为偶像之前的故事，重点在于寻找他们身上那些不久之后就将让他们变得不朽的个性特点。伊恩·哈特（Ian Hart）继克里斯托弗·芒奇（Christopher Münch）执导的《小时与时间》（The Hours and Times）之后，第二度饰演披头士主唱约翰·列侬（John Lennon）他身上那种感觉有些怪异的似真度，已不仅仅只是简单的模仿，而是有了思想感情上的导入。
不过，影片的焦点并非仅在约翰·列侬身上，导演伊恩·索夫特雷（Iain Softley）明智地将聚光灯集中在了甲壳虫组合中被人遗忘的早期成员的身上，特别是斯蒂芬·多尔夫（Stephen Dorff）扮演的倒霉的贝斯手Stuart Sutcliffe。
《最后的日子》（Last Days） 2005
Nirvana主唱Kurt Cobain死时不忘告诉我们“与其慢慢褪色，不如燃尽自己”（better to burn out than fade away），但是导演格斯·范·桑特（Gus Van Sant）在《最后的日子》中呈现的那个Kurt Cobain的分身，他身上的色彩却已消退得十分厉害，几近是一个透明人。
在华盛顿州森林里那一栋空旷的大房子里，迈克尔·皮特（Michael Pitt）饰演的主人公Blake（本片并未使用Kurt Cobain的名字）缓缓地来回走动着，周围是一群只有在伸手管他要钱或是要毒品的时候才会注意到他的存在的寄生虫。看上去，他并不像是一个马上就要自杀的人，更像是一个早已失去生命的行尸走肉——灵魂已经死了，就等着肉体跟着终结。
影片想象了一位摇滚明星的自杀之路，用暧昧取代了解释，对人物传记片固有的那一套把什么都解释得清清楚楚，把原因都和盘托出好让观众看了觉得舒服的做法，发起了一次挑战。影片本身的扑朔迷离和支离破碎，绝不亚于Kurt Cobain写的那些歌词，但却完全没有他歌词里那些宣泄式的愤怒。
《我不在那儿》（I’m Not There） 2007
鲍勃·迪伦可以说是摇滚乐史上最伟大的“变色龙”之一，想要用一部电影就囊括他的一生，这谈何容易。于是，深谙摇滚精神的导演托德·海恩斯（Todd Haynes）采用了这么一种办法，他将迪伦的整个人生，按照不同的时代和受到的影响，分成了几个部分，找来凯特·布兰切特、理查·基尔、克里斯蒂安·贝尔、本·卫肖等人，分别诠释了迪伦那内容丰富、多姿多彩的人生马赛克上的每一个不同的碎片。
看了这部电影，无疑无法让观众对鲍勃·迪伦的人生脉络有所了解，但会让他们对他产生更多的好奇心。它没有采用年代大事记的传统传记片做法，反而在立意更高的层面上抓住了迪伦的本质：那么多年里，他不断地改造自我，同时也重建了整个世界。从某个层面上来看，本片似乎只是浮光掠影地涉猎了多种电影风格——分别模仿了戈达尔、《一夜狂欢》（A Hard Day's Night）、《八部半》（8 ?）和上世纪70年代美国新派西部片的样貌和感觉，但在更深的层面上，影片对于迪伦本人的这种碎片化的精彩探索，一如迪伦本人一样的活力十足，堪称对他表达的更高致意。
《控制》（Control） 2007
摄影师出身的安东·寇班（Anton Corbijn）长期以来一直在和摇滚明星打交道，为从U2乐队到“赶时髦”（Depeche Mode）再到汤姆·威茨（Tom Waits）等风格迥异的摇滚音乐人拍摄过照片。所以，他的导演处女作以摇滚音乐人为拍摄对象，也没什么好让人感到意外。
在这部“快乐小分队”（Joy Division）的主唱伊安·柯蒂斯（Ian Curtis）的传记片中，萨姆·莱利（Sam Riley）饰演的主人公早在23岁自行了断之前，就已经是一个性格忧郁的青年了。但是，这部主打简约风格的剧情片，真正能让人体会到那种悲情之处还在于，它在表现柯蒂斯终其短暂一生始终无法摆脱的抑郁情绪的同时，并未去制造什么假象。就这样，本片避免了人物传记片那种“由穷到富再回到穷” 的典型路线：莱利的柯蒂斯并非是什么愤怒的自我中心主义者，相反，那是一个内心深处饱受折磨的灵魂，他将痛苦转化成了美妙的音乐，直至自己最终被痛苦所吞噬。和“快乐小分队”的唱片一样，这部电影本身也有着一种最直接的弥漫不散的荒凉感。
《1988年的妮可》（Nico, 1988） 2017
影片聚焦的并非是与地下丝绒（The Velvet Underground）在一起时的那个双眼楚楚动人、身姿曼妙的妮可，而是展现了一个名叫克里斯塔·帕夫根（Christa P?ffgen，妮可的本名）的女人生命中最后的一年。49岁的她，极力想要摆脱“妮可”的标签，为此她宣称：“我的人生从离开地下丝绒开始。”她说她原本想优雅从容地老去，可她的脸上深刻着丑陋的皱纹，身上赘肉横生；一边为毒品所困，一边为具有自毁倾向的儿子忧心；唯一不变的是她的嗓音依旧沙哑低沉，歌唱时也照旧用尽全部的力量。借由这部电影，我们明白了，终其一生，这个女人始终无法成为真正想要成为的自己。
除了意大利女导演苏珊娜·尼基亚雷利（Susanna Nicchiarelli）绝佳的氛围掌控力外，丹麦女演员崔娜·蒂虹（Trine Dyrholm）的演绎也是本片的精髓所在：她不仅将表情和神态拿捏得恰到好处，在亲自上阵演唱“These Days”、“My Heart is Empty”、“Big in Japan”等妮可的名作时，同样具有超高的还原度。
皇后乐队：音乐王朝的绚烂独奏，摇滚乐的引路人文字丨小草 编辑丨小草
前言
皇后乐队（Queen）是英国摇滚乐坛的传奇，其创新的音乐风格是他们成为不朽经典的重要原因之一。
从专业角度来看，皇后乐队融合了摇滚、流行、硬摇滚和古典等多种元素，创造出了独一无二的音乐世界。
他们敢于突破传统，勇于尝试新的音乐表达方式，使他们的音乐成为音乐史上的杰作。
皇后乐队的音乐风格展现了无限的创意和实验精神，让人们对音乐的多样性和无限可能性感到惊叹。他们的音乐影响了无数乐迷和后辈音乐人，成为流行音乐界的永恒经典。
一、多样化的音乐元素
皇后乐队以其多样化的音乐元素而成为音乐界的传奇。他们在音乐创作中融合了多种风格和元素，创造出独一无二的音乐体验。
皇后乐队最为人熟知的音乐元素之一就是摇滚。他们的许多歌曲具有浓郁的摇滚风格，充满了力量和 *** 。例如，歌曲《We Will Rock You》就是一首代表性的摇滚歌曲，其简单而强烈的节奏和明确的鼓点成为了现场演出的经典场面。
皇后乐队的音乐还融合了流行音乐的元素，使其歌曲朗朗上口，易于传唱。例如，歌曲《Crazy Little Thing Called Love》就是一首融合了流行和摇滚元素的歌曲，其轻快的节奏和简单的旋律让人难以忘怀。
皇后乐队对古典音乐的运用也非常突出。他们在一些歌曲中加入了古典音乐元素，使其音乐更加华丽和壮观。
例如，歌曲《Bohemian Rhapsody》就是一首融合了古典和摇滚的复杂歌曲，其包含了宏大的交响乐段和独特的音乐结构，成为了音乐史上的经典之作。
除了传统的摇滚，皇后乐队的音乐中还出现了硬摇滚的元素。他们的一些歌曲在编曲和演奏风格上更加强硬，展现出摇滚乐的独特魅力。
例如，歌曲《Tie Your Mother Down》就是一首具有典型硬摇滚风格的歌曲，其强烈的节奏和吉他独奏让人感受到浓烈的摇滚氛围。
皇后乐队的音乐中经常出现钢琴和合唱的元素。主唱弗雷迪·默丘里的钢琴演奏成为乐队音乐的独特标志之一。
同时，他们经常在歌曲中加入合唱的编曲，使其音乐更加丰富和生动。歌曲《Bohemian Rhapsody》中的钢琴演奏和合唱部分就是该乐队的典型表现。
皇后乐队的音乐多样化体现在融合了摇滚、流行、古典、硬摇滚等多种音乐元素。
他们敢于尝试不同的风格和实验，创造出丰富多彩的音乐作品，使其音乐成为音乐史上的杰作。这种多样化的音乐元素使得皇后乐队的音乐不受局限，融入了更多的音乐元素，吸引了广大听众的喜爱。
二、强大的声乐表现力
皇后乐队强大的声乐表现力源于主唱弗雷迪·默丘里广阔的音域、娴熟的技巧、丰富的表现力以及出色的舞台魅力。
他的演唱充满感染力和情感，使其音乐深深地触动人心。他的声乐表现力使得皇后乐队的音乐作品成为经典，而弗雷迪·默丘里也因其非凡的声乐实力成为了不朽的音乐传奇。
皇后乐队以其强大的声乐表现力而成为摇滚乐坛的传奇。
他们的主唱弗雷迪·默丘里（Freddie Mercury）是一个具有非凡声乐实力的歌手，其卓越的演唱才华在音乐界广受赞誉。
弗雷迪·默丘里的音域非常广阔，可以跨越多个八度。他的低音富有温暖和厚实感，而高音则充满明亮和冲击力。
他的声音在不同音域间的流畅过渡，使他可以演绎出各种情感和风格的歌曲。
弗雷迪·默丘里是一名技巧娴熟的歌手，他能够灵活运用多种唱法和技巧，如颤音、滑音、颤音等，使其演唱更加丰富多样。
他的声音充满表现力，能够准确地传达歌曲中的情感和意境。
弗雷迪·默丘里的演唱充满了强烈的表现力，他能够通过声音表达出丰富的情感，从温柔细腻到 *** 四溢，都能够轻松地驾驭。他的演唱充满了感染力，让人们深深被他的歌声所打动。
除了卓越的声乐实力，弗雷迪·默丘里还具有出色的舞台魅力。
他的舞台表演充满活力和互动性，能够吸引观众的注意力。他的表演风格充满戏剧性，使得每一场演出都成为了一场视听盛宴。
弗雷迪·默丘里的声乐表现力不仅限于一种音乐风格，他能够演唱多种类型的歌曲，包括摇滚、流行、古典等。
他的声音非常适应不同风格的音乐，使他成为了一个多才多艺的歌手。
三、复杂的音乐结构
皇后乐队复杂的音乐结构体现在非传统的歌曲形式、交响乐的运用、多样化的乐器编曲、转换和过渡的手法以及多样化的情感表达。
他们的音乐充满变化和惊喜，使其歌曲成为音乐史上的经典之作。皇后乐队以其独特的音乐结构和精湛的演奏技巧成为了不朽的音乐传奇。
皇后乐队的歌曲通常不采用传统的歌曲结构，而是采用复杂的形式。他们常常在歌曲中融入多个部分，如前奏、副歌、间奏、大合唱等，使其歌曲呈现出多段式的结构。
例如，歌曲《Bohemian Rhapsody》就是一首典型的多段式歌曲，其包含了六个不同的部分，形式极为复杂。
皇后乐队在一些歌曲中加入了交响乐的元素，使其音乐更加华丽和壮观。
他们常常与交响乐团合作，将交响乐的演奏融入到歌曲中，增加了音乐的层次感和宏大气势。歌曲《Bohemian Rhapsody》的大合唱部分就与交响乐团的演奏紧密结合，形成了壮观的音乐画面。
皇后乐队在编曲中常常运用多样化的乐器，使其音乐更加丰富多样。
除了传统的摇滚乐器，他们还使用钢琴、合唱、管弦乐等乐器，使其音乐具有更广阔的音响效果。歌曲《Bohemian Rhapsody》中的钢琴、合唱和吉他独奏等乐器编曲都让这首歌曲显得格外独特。
皇后乐队在歌曲中常常运用转换和过渡的手法，使不同部分之间的衔接更加自然流畅。
他们巧妙地将不同的音乐元素有机地结合在一起，形成了复杂而完整的音乐画面。例如，歌曲《Bohemian Rhapsody》中不同部分之间的转换和过渡都非常巧妙，使整首歌曲听起来既自然又紧凑。
由于复杂的音乐结构，皇后乐队的歌曲能够表达出丰富多样的情感。他们的音乐常常融合了欢乐、悲伤、愤怒等不同情感，使其歌曲充满情感共鸣。
例如，歌曲《Bohemian Rhapsody》中的不同部分展现出了不同的情感，使整首歌曲情感丰富而深刻。
四、引领舞台表演风格
皇后乐队引领舞台表演风格的特点包括戏剧化的表演手法、互动性、舞台设计的独特性、表演细节的精心打造，以及创新和突破。
他们的演出充满了戏剧性和感染力，吸引着无数观众。皇后乐队以其独特的舞台表演风格成为了摇滚乐坛的传奇，他们的演出将永远被铭记在音乐史上。
皇后乐队以其引领舞台表演风格而成为摇滚乐坛的标志性存在。
他们在演出中常常运用戏剧化的表演手法和丰富多样的舞台设计，使每一场演出都成为一场视听盛宴。
皇后乐队在演出中常常采用戏剧化的表演手法，使其演出充满戏剧性和吸引力。
他们善于通过表情、动作和姿态表达歌曲中的情感和意境，使演出更具感染力。例如，弗雷迪·默丘里经常在演出中展现出独特的舞台魅力，用他的表演艺术吸引着观众的目光。
皇后乐队在演出中善于与观众进行互动，拉近与观众之间的距离。他们鼓励观众参与演唱，一同合唱歌曲的副歌部分，使演出现场变成一个大型的音乐共鸣。
例如，歌曲《Radio Ga Ga》的现场演出中，乐队与观众共同演唱歌曲中的口哨部分，营造出了欢乐和融洽的氛围。
皇后乐队的演出舞台设计常常具有独特性，与歌曲和演出内容相呼应。
他们运用丰富多样的舞台道具、灯光效果和视觉效果，使演出更具视觉冲击力。
例如，歌曲《Bohemian Rhapsody》的演出中，他们运用灯光和烟雾效果，营造出神秘的氛围，使演出更加精彩。
皇后乐队在演出中注重每一个细节的表演。他们的演出经过精心排练和准备，致力于为观众呈现出最完美的演出。
无论是舞台动作、唱腔还是演唱姿态，都经过精心打磨，使演出更具专业水准。例如，弗雷迪·默丘里的舞台动作和姿态常常充满力量和魅力，使演出更加吸引人。
皇后乐队在演出中敢于创新和突破，不断尝试新的表演方式和视觉效果。他们常常将音乐和舞台表演有机地结合在一起，形成独特的演出风格。
例如，歌曲《We Will Rock You》的演出中，乐队与观众合作，通过节奏和拍手声营造出震撼人心的氛围，使演出更加动感和生动。
作者观点
皇后乐队（Queen）以其创新的音乐风格成为了音乐界的传奇。
他们融合了摇滚、流行、古典和硬摇滚等多种音乐元素，创造出独一无二的音乐体验。
主唱弗雷迪·默丘里（Freddie Mercury）的强大声乐表现力和多样化的情感表达，使其歌曲充满感染力和深度。
同时，皇后乐队在音乐结构和舞台表演上的大胆实验与创新，使他们的音乐呈现出复杂多样的特点，成为流行音乐史上的经典之作。
皇后乐队的音乐风格不仅超越了时代，更为音乐界注入了无尽的创意和活力，成为了不朽的音乐传奇。
标签： bohemian rhapsody 琴谱 皇后 乐队
